Nazca - Estación de Sombra (1986)

Hay muy poco que documentar de esta legendaria (si acaso conocida por unos cuantos fanáticos del rock progresivo mexicano) banda proveniente de la capital del país. Nazca como muchas de las bandas del “revival” del rock progresivo mexicano en los 80’s dio pie a una de las formas más originales de esta forma de hacer música en nuestro país.  No hay duda de que puramente nos enfrentamos a una clase de rock que no es común en hechura, contextura ni forma a lo que se ha hecho en otros países y menos en México, siendo bastante mediocre la producción por lo general de rock en nuestro a país.  Siendo entonces esta mediocridad acusada, copias mal hechas de rock anglosajón o chovinismo desesperado (y no me acusen de nada, que no parto de prejuicios si no de hechos) la banda creó una especie de rock de Cámara sofisticado y lleno de matices e instrumentaciones poco comunes en la forma de hacer rock propiamente aquí y en china. Matices y pasajes con olor a jazz y en algún momento recordando lo que King Crimson hizo en la época de Larks  Tongues in Aspic  y Red, ningún precedente se había levantado de esta forma en la manera de hacer rock en este país. Es más me cabe la pregunta ¿Es rock? Si, pero no a lo que se nos tiene acostumbrados, es música pensada, llena de pasajes dignos de bandas de altísimo nivel y con una precisión que escapa a todo lo que se podría imaginar o esperar.
No haré contrapunto de exposición y descripción de lo que el disco contiene. Sencillamente adelanto, es rock mexicano de altísima calidad y de mucha monta en un país donde lamentablemente la forma de hacer rock es mediocre y con propuestas pocamente originales y pobres. Esta es una joya que vale la pena absorber con la atmósfera apropiada y los arreglos mentales propios también, para la ocasión. 

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1. Estación de Sombra

2. Traoedia

3. Espacios en Torno

4. La morgue

5. Mangle

6. Deshueso

7. En la cuerda Floja 

8. Ipecacuana

Black Sabbah - Black Sabbath (1970)

… Campanas… Lluvia… un sonido fantasmal de fondo.

Así y luego con un trítono en Si Bemol comienza uno de los debuts discográficos más avasalladores de todos los tiempos. Algunos profanos queriéndose apoderar de semejante formula poderosa, atribuyen a los cuatro de Birmingham la invención del Heavy Metal.  Lo cierto es que para mi humilde punto de vista la comprensión se escapa cuando hablamos del sagrado cuarteto del Sabbath Negro.

Y es que en realidad no es el heavy metal el que encuentra a sus padres en Sabbath, si no prácticamente casi todo lo que consideramos rock n roll tocado con cojones en la actualidad, procede de esta herencia. Todos los Stoners, Doomers… y hasta punks o hardcore punk agradecen la influencia de este primer disco que fue una piedra de toque en la historia del rock. Las bandas del mal llamado “Grunge” de los 90 tienen la vena de Sabbath. En especial cuando recordamos a bandas como Alice in Chains, Nirvana (…eeeh bueno.) Y Soundgarden, principalmente.

Autor de el sonido fantasmal del primer corte del disco, Tony Iommi es un guitarrista infravalorado en toda regla. Su invención en sí de el sonido opresivo y oscuro de Black Sabbath se debe a un accidente del que mucho se ha comentado, de las afinaciones bajas en su forma de afinar la guitarra. En sí los temas no tienen nada de espectacular, viéndolo desde un punto de vista comparativo con lo que hicieron tanto después como lo que otros habían hecho antes. Pero es ese sonido oscuro y las temáticas ocultistas de Geezer Butler en las letras que hicieron que este primer disco sea enigmático, de culto.

“The Wizard” como el segundo corte del disco nos introduce a una temática Tolkiana, donde el mago Gandalf es protagonista y sus aventuras del agrado de Ozzy nos introducen de nuevo a la locura del señor de las tinieblas. En tanto que “Behind The Wall of Sleep” es un tema recurrente de los conciertos que era vehículo de improvisación para Iommi, Ward y Butler.

“NIB” se inagura con solo magistral de Geezer Butler en el bajo, con el cual generaciones de ejecutantes del instrumento se han inspirado, en especial influyente para el genero directamente salido de la herencia de Sabbath, el Stoner Rock. El tema es un clásico de la discografía de Sabbath y por cierto de los temas más conocidos. A veces me temo que roza en popularidad con “Paranoid” del siguiente disco. El tema trata sobre el apasionado amor del demonio a las tentaciones… “My name is Lucifer, Please take my hand”.

“Evil Woman” es un tema que sin bien es de resaltar el trabajo de Iommi, no me parece de nada espectacular como lo que viene “Sleeping Village” en si es un tema clásico del estilo de guitarra de Iommi. Warning inicia con una introducción acústica con elementos oscuros y una atormentada voz de Ozzy nos introduce a pasajes de improvisación maravillosos de parte de Bill Ward, Tony Iommi y Geezer Butler. El tema es un cover de Ansley Dumbar.

Esta edición que les presento del disco concluye con “Wicked World” el primer tema compuesto para este disco, el cual fungió como sencillo originalmente y que no apareció en la edición original del disco. Sin embargo como sabemos es en este tema donde las improvisaciones larguísimas tenían lugar en los conciertos de la etapa primaria de la banda. “Past Lives” contiene un testimonio elocuente de este tema para quienes gusten salir de las dudas en el tema de la capacidad enorme de improvisación de Iommi, Butler y Ward. En este respecto me gustaría señalar que si bien otras bandas de la época tenían una capacidad enorme de improvisación, a este virtuoso trío conformado por los anteriores músicos no se le toma en cuenta tanto a la hora de reseñar su enormidad en la improvisación. No añadiré más, sólo revisad el contenido de esta canción en la versión de esta canción en vivo del “Past Lives”” para convenceros de que estas suposiciones son en absoluto erradas.

No es bueno hacer tanto preámbulo a una obra que habla por si misma. Bienvenidos sean los profanos a la inauguración de la etapa más oscura del rock en si misma. Absórbanlo, témanlo, tómenlo, al final es el primer disco de heavy metal de la historia…

-Como dato curioso- La realización del disco se grabó en 2 días con un presupuesto aproximado de 800 libras y como según recuerda Iommi, el disco fue grabado en casi directo, dado el bajísimo presupuesto con el que contaban, además de que ni siquiera les alcanzó para cuerdas de repuesto. Además de las dificultades técnicas, el arte de la portada tiene también su leyenda. Según Bill Ward y los otros miembros de la banda, la mujer aparecida en la portada jamás estuvo ahí en el momento de ser tomada. Apareció después del revelado, a lo cual la banda decidió dejarla en el arte de la tapa. Existen especulaciones macabras al respecto, sin embargo hay un grupo de personas entre las que me incluyo, quienes sospechamos que es un truco para alimentar la leyenda oscura de la banda y que la “joven” en realidad se trata de Ozzy disfrazado.

Será verdad, será mentira… la música es genial y la atmosfera oscura más.

¡A disfrutar se ha dicho!

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Pescado Rabioso - 2

Después de días de no postear  y de andar indeciso acerca del contenido que debía colgar en este blog, decidí que tenía que subir esta suprema muestra de arte de rock latinoamericano. Pensaba en Spinetta estos días, con su terrible calidad de genio innovador, compositivo, artístico y de pensamiento como pocos han tenido, aun en el mundo anglosajón, por supuesto. Y es que comparativamente hablando, ya decía Charly García en una entrevista “Comparar a Almendra con las otras bandas argentinas de la época, era comparar un Volkswagen con un Mercedes Benz”, lo cual por supuesto aplica a Luis Alberto Spinetta por antonomasia.  La obra que ahora les presentaré es un trabajo quizás no tan loado y lleno de elogios como lo fue la posterior obra casi en solitario del flaco que es “Artaud”. Este disco, “Pescado 2” surge como seguramente el primer o de los primeros Lp’s argentinos en ser dobles, un fenómeno ya generado en Estados Unidos por vez primera con Bob Dylan en 1966 con su “Blonde on Blonde” .

Para estas alturas del tema, la calidad compositiva de Luis Alberto, de por si prodigiosa había alcanzado cotas de creatividad que el mismo caracterizaría como de “transición” a cosas más elaboradas y de corte más sofisticado y jazzero como con el “Artaud” mismo y con su posterior y mítica banda “Invisible”. Pero vamos, menospreciar esta enorme obra sería caer en un dogmatismo auditivo imperdonable. “Panadero Ensoñado” es el tema que abre este disco doble en su cara A del disco 1 y que nos remite a que esta obra es producto de la astucia de Spinetta, junto a la de David Lebón y Black Amaya, en donde la confluencia genial de Luis, la timidez y delicadeza de Lebón y la dureza del Blues Rock de Amaya que traía la vena directa del Pappo Blues confluirían de una forma única, que por momentos trae recuerdos directos de la primer etapa de Led Zeppelin. “Iniciando el Alba” es un tema que típicamente enmarca lo que Spinetta es. La poesía etérea y fuera de los limites de la razón… El tango, la música nativa de la nación argentina, la poesía, el rock, la locura… las Uvas que son un tema tan recurrente del flaco en este disco… “Poseído del Alba” que es un tema que hace gala de la genialidad que tenía el flaco de crear temas con acordes raros, con sextas, novenas, oncenas agregadas a un acorde de por si raro y con ello mismo terminar componiendo en otras partes no menos complejas y llenas de la energía de los acordes comunes, tríadas y quintas. GENIAL. “Como el Viento voy a ver” es el tema más Zeppelin de el disco, un blues en Sim posiblemente si los cálculos de oído no me traicionan se construye bajo la misma estructura básica de “Since I’ve Been Loving You” de  Led Zeppelin III, tema de por si genial como polémico en el que a pesar de que como ha reconocido David Lebón, la influencia de Zeppelin en todo el disco como en el tema es patente no hace gala de un “ripp off” o robo de ideas, puesto que la originalidad tanto como de la letra como de los arreglos es patente en el tema. “Nena Boba” otro tema tan del estilo de Spinetta y su permanente guerra en contra de la simpleza y la pavada hace patente su fastidio en contra de las nenas plásticas, de aquellas de un amor que dura solo un mes o semanas llenando las relaciones y los idilios de amargas simplezas que no tienen ningún solaz o fundamento… Oh, mujeres.

“Madre Selva” “Ámame Peteribí”  Otros dos temas de casi el mismo corte donde un órgano Hammond como en temas anteriores hace de las suyas mostrando patentes influencias de Led Zeppelin I/II en temas como “Your Time Is Gonna Come” O “Thank You”. “Credulidad” es para mí el tema más “Artaud” del disco, acústico por excelencia, con una poesía impecable, lleno del amor y la familiaridad del siguiente disco… el preludio a la genialidad de lo que venía con Artaud y que seguramente se estaba cociendo en el momento…

Obra de culto, imprescindible para todo aquel que desea admirar al rock latinoamericano con una mirada fuera de la mediocridad que nuestro “rock” nos tiene acostumbrados.  ¡Bájatelo ya!

Baja acá

The United States Of America - The United States Of America (1968)

¿Un disco psicodelico de finales de los 60 sin guitarras? Imposible. La Guitarra era el vehiculo de experimentación, de viaje, de apertura a nuevos mundos en la segunda mitad de la década de los sesenta y posteriormente, aún en nuestros días.

Foto Promocional del Disco.

Pero no, Joseph Byrd, un visionario músico decidió crear prescindiendo de la guitarra uno de los discos más importantes, innovadores y frescos jamás creados,  conjuntando la psicodelia, la música experimental y por supuesto añadiendo como ingrediente a uno de los primeros intentos de hacer música electrónica en el rock n roll. La ausencia de guitarra era de hecho un punto bastante radical (más aún que las ideas políticas de Byrd) puesto que esta era el eje central en el que se basa y como mencioné se basa aún el rock. Para ello, se ocuparon otros instrumentos para crear este maravilloso collage Sonoro.

“The American Metaphysical Circus” es el corte que abre el disco, con una especie de introducción circense, loops y efectos electrónicos para que al mismo tiempo la voz femenina y bella de Dorothy Moskowitz, introduzca la melodía vocal distorsionada por momentos por un filtro de voz, con un background de efectos electrónicos. Maravilloso.

Un calíope, sintetizadores, moduladores de anillo, y cualquier suerte de instrumento con teclado que caía en sus manos era el instrumento perfecto para sustituir a la guitarra. Salirse del canon, del modelo era la idea y si que lo lograron bien. El Bajo era otro tema a destacar. Digamos que Rand Forbes, fue de los primeros en experimentar con un bajo Fretless, esto es un  bajo sin trastos o divisiones por intervalos.

No quiero describir sinceramente canción por canción como venía haciéndolo en otras reseñas… no me inspira demasiado eso hoy, pero ello prefiero dejar a su criterio las maravillas que escucharán si deciden bajar ese disco del blog, es gratis, mientras los lagartos del FBI y la industria lo permitan.

Como les decía, el bajo en este disco es otra joya, se imaginarán como suena un fretless en un contexto de música experimental y psicodélica, la voz de Dororthy , fría, gélida y calida cuando se necesita, como una Grace Slick salida de una nave espacial, regalándonos hermosos pasajes vocales. Violin, piano, artilugios primitivos, secuenciadores primitivos e igualmente usando uno de los primeros sintetizadores…  La entrada de “The Garden of Earthly Delights” representa un parte aguas en la historia de la psicodelia americana. Acá este tema es un guiño directo a Jefferson Airplane, que claro este último nunca pudo sonar tan extraterrestre e innovador. Sinceramente.

The United States Of America, con Joseph Byrd abrazando al fondo a
Rand Forbes y Dorothy Moskowitz.

“Coming Down” como una especie de big bang sonoro que te destapa de una buena vez las ventanas o las puertas de la percepción… Aunque para mi el tema más emotiv o del disco es “Love song For The Dead Ché”, teniendo en cuenta que Byrd era políticamente “incorrecto” en esa época por ser comunista, esta bella canción con un “tango psicodélico” o lo que podemos llamar así, junto a la melodía vocal de Dorothy nos remite a los bellos pasajes emanados de un homenaje tan enorme y sentido. Un digno tributo a Don Ernesto Guevara de la Serna.  El Ché.

Acá el paquete queridos. No les cuento más. Quiero que sepan por ustedes mismos porque creo que esta joya discográfica es de los pocos discos de psicodelia que me parecen absolutas, aplastantes obras maestras.

El disco es poco conocido debido a que la discográfica se negó a hacerle publicidad por dos razones. 1. El Controversial nombre de la banda, claro, tener un nombre tan sacrosanto y sagrado en un país que se debatía en el entonces en una estúpida guerra intervencionista lejos de ahí y que estaba generando una enorme polémica interior… (¿donde he oído eso antes?) y claro 2. El “malvado” comunismo de los miembros pero en especial de Byrd y algunas de sus polémicas letras… hicieron que esta joyita se convirtiera en un clásico Underground , que es justamente retomado en las reseñas de “Rolling Stone” en el libro “1001 discos que hay que escuchar antes de morir”. Salud Profanos.

Comenten, fomenten el amor por la lectura y la reseña.

Descarga aquí

The American Metaphysical Circus        

Hard Coming Love         

Cloud Song        

The Garden Of Earthly Delights               

I Won't Leave My Wooden Wife For You, Sugar              

Where Is Yesterday      

Coming Down  

Love Song For The Dead Che    

Stranded In Time           

The American Way Of Love

The Electronic Hole - The Electronic Hole (1970)

Phil Pearlman para 1970 era ya un destacado músico de la escena norteamericana de música psicodélica. Habiendo pasado por pasajes experimentales larguísimos, digamos que muy fuera de lo común en el entonces,  pero bueno eso había pasado y es entonces cuando nuestro protagonista decide regresar al formato clásico de canciones de no más de 5 minutos en esta nueva formación a la que bautizó como The Electronic Hole, nombre inspirado en quién sabe qué, pero que ahí está.

El disco está estructurado de una forma en cierta forma atípica para el pop, pero clásica en lo que es el rock progresivo al menos en la forma de títulos. Empezamos con “The Golden Hour” y sus respectivas partes I,II, III y IV.  Un órgano ácido nos introduce a una canción con un estilo (sé que muchos van a dar el grito al cielo por esto) muy parecido a The Velvet Underground en algunos momentos, trabando al órgano, la voz y los demás instrumentos de una forma bastante “mantrica” por así decirlo. La segunda parte nos muestra más claramente lo que en si dominará e disco en las siguientes partes de este. Una Sitar, escalas, movimientos e influencias clarísimas de música clásica Hindu, con una guitarra acompañante y mucha mucha lisergia. La tercera parte es un tema bastante “Velvetiano” si tengo la licencia de llamarlo así. La influencia de Reed y los suyos desde mi punto de vista es patente, en tanto que entra la influencia notoria del “White Light/White Heat” de los Neoyorkinos.  Es patente la influencia.

La cuarta parte igualmente otro tema a la usanza, bastante apto para un viajecito, con la novedad de que las líneas de bajo son interesantes e hipnotizantes y claro, con la aparición de un instrumento nuevo: La armónica al complejo.

La segunda parte del disco desde mi ver es precisamente “Love Will Find a Way” con 3 partes en si misma. Acá se nos introduce a un sonido típicamente zona Oeste, arpegios introductorios, mucha pirada hippie y mucha, demasiada psicodelia de por medio.

Lo que a mi personalmente me llama la atención es la guitarra. ¿Virtuosismo? Anda, para nada, acordes cerrados,  y más acordes hacen un desafine genial que recuerda mucho a los VU y a otras bandas parecidas como la West coast Experimental Pop art Experimental Band y a muchas otras más. La parte dos, se me hace el tema mas Zappiano del disco, recordando al disco debut de las Mothers of Invention. Pero bueno amigos y amiguitas, como es costumbre de este blog, para no hacérselas tan largas (Sin albur) y porque sé que son re huevones para leer, les dejo en tanto el disco entero como el resto de los temas que no mencióné. Mi punto de vista, un discazo, no noto puntos flojos aunque tampoco obras maestras, ahora sí, la decisión es la del oído conocedor.

Descarga aquí

01. The Golden Hour Part I

02. The Golden Hour Part II

03. The Golden Hour Part III

04. The Golden Hour Part IV

05.Love Will Find A Way Part I

06. Love Will Find A Way Part II

07. Love Will Find A Way Part II

Steve Hillage - L (1976)

¿Hawkwind, The Beatles, The Byrds y lo mejor de la psicodelia americana además de un sonido penetrante al más puro estilo progresivo Cantenbury? Así es “L” de el guitarrista legendario Steve Hillage, quién había creado densas atmosferas etéreas en la trilogía “Radio Gnome Invisible” de Gong, pasado con Mike Olfield, Todd Rudgren entre otros de primera categoría. Y bien,  sabemos que este disco está hecho en su mayoría de covers, no negamos su valor musical, tanto en la originalidad como en la forma en la que Hillage maneja la melodía, los efectos etereos, la psicodelia… los viajes espaciales que sin necesidad de someterte a ningún dopaje te transportan a mundos que jamás imaginaste. “Hurdy Gurdy Man” un cover de Donovan, nos lleva a zonas de nuestra mente que jamás imaginamos, los manejos pirotécnicos de la guitarra de Hillage, los arreglos con sintentizadores, teclados y otros más artilugios de la brujería del mago psicodélico nos aseguran una experiencia fuera de lo humano y normal. “Hurdy Gurdy Glissandro” Otra composición que en forma de mantra nos transporta por un universo mixto de imaginería hindú, sonidos psicodélicos espaciales y mucho, mucho Cantenbury. Volar es una experiencia aburrida en comparación.

¿Alguna vez has estado bajo el influjo de una substancia ilegal? Si oyes este disco o no es necesario o definitivamente tendrás el viaje de tu vida.

El ambient, las voces salidas de la residencia de algún viejo dios psicodélico, algún que otra resonancia sonora psicodélica que vuelve psicóticos a los oídos más acostumbrados a lo convencional.  “Electrick Gipsies” es el tema por mucho más “Convencional” junto a “It’s all Too Much” esta última una versión ultra lisérgica de la canción de George Harrison, que si está bueno decirlo, supera con creces el manejo guitarrístico de Harrison al ser esta canción, la original una especie de imitación del estilo de Hendrix como mucho LSD de por medio. A mi humilde y subjetivo ver la versión de Hillage es superior en todo aspecto.

Y luego, claro para mí lo que fue que  llamase primariamente mi atención de este disco: “Om Nama Shivaya” un tema compuesto sobre un mantra dedicado a Shiva, que luego retuerce de locura en  una especie de solo de guitarra extraterrestre, que si demás está decirlo, es mortal, Hillage es grandioso a la hora de explotar de una forma demasiado poco convencional los efectos de guitarra que si bien, otros saben usar, él los sabe aplicar, el hace “big Bangs”, creaciones, universos enteros con su forma única y originalísima de tocar la guitarra.

“Lunar Music Suite” es el tema más largo del disco, superando los 11 minutos. Al igual que los anteriores es un viaje único por otro universo distante, una forma de entrar en un agujero gusano y llegar a mundos donde nuestra imaginación jamás concibieron ver las cosas que Hillage ya creó con su guitarra, creando ese lenguaje que solo unos pocos aptos pueden entender… Disfruta, no describas me dijo mi conciencia.

Por último quiero concluir con “Eight Miles High” un cover de The Byrds, que si he de ser sincero, cumple mejor el cometido lisérgico que la original… No tengo porque explicarlo, sólo los invito a que escuchen y sean ustedes mismos los jueces de aquello que este disco les hace sacar la de la conciencia. 

Les  seré sincero, si les gusta Metallica o Natalia Lafourcade… Váyanse de este blog, porque este disco no es remotamente algo tuyo ni porque tu abuelita te de té de floripondio…

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01 Hurdy Gurdy Man

02 Hurdy Gurdy Glissando

03 Elecktrick Gypsies

04 Om Nama Shivaya

05 Lunar Musick Suite

06 It's All Too Much

Bonus Tracks

07 Eight Miles High

08 Maui

If I Could Only Remember My Name - David Crosby (1971)

¿Qué puede ser mejor que un disco que comienza con una canción titulada “Music is Love? Así con tal obertura,  abre el disco debut en solitario de David Crosby, “If I Could Only Remember my Name”. Los rasgueos de su guitarra folk, afinada de una forma tan típica de él fuera de la típica afinación Estándar nos dice la calidad del disco que estamos comenzando a presenciar como experiencia espiritual. Neil Young en las congas y en los apoyos vocales hacen que el mantra “Everybody is in love… Everybody saying music is love” hacen que el espíritu y la tranquilidad vocal acústica de Crosby nos penetre hasta los tuétanos y sintamos que lo que viene es igualmente espectacular y lleno de sensibilidad. Graham Nash vocalmente no se queda detrás y nos regala con el trío en esta canción algo maravilloso.

“Cowboy Movie” es otro tema típicamente CSN&Y con los punteos de guitarra tan tipícos de Young en la guitarra, los punteos afilados, el ritmo sincopado y la espiritualidad rebelde de Crosby hacen acto de presencia.  En tanto que “Tamalpais High” es otro tema típico de Crosby, con armonías vocales perfectas, afinadas, coordinadas y llenas de feeling. En este tema participa Jerry García de los Grateful Dead.

Uno de los momentos cumbres en el disco es “Traction in the Rain” una balada etérea típica de Crosby, con él en la guitarra y con las armonías vocales de distinguidas coristas como lo serían Grace Slick, Laura Allen y posiblemente Joni Mitchell. Una composición que invita al relajamiento total, sacada de un disco que seguro hará que el día más gris de cualquiera sea una fiesta continua de regocijo y deshinibimiento, olvido del mundo tan ajetreado y caótico que vivimos.

“Song With No Words” es para mí el mejor tema de disco. Es precisamente una composición en la que participa a dueto con Graham Nash, imposible de comparar en belleza a cualquier otra composición hecha en la historia humana. Nash y Crosby combinan sus armonías vocales para crear un tema que guitarrísticamente ya es un hito, a la par que el piano resalta la armonía y la belleza de los temas. Imposible no sonreír con este tema, quedan advertidos.

Este es un disco que personalmente representa mucho. Influencialmente, ha marcado mi vida de distintas maneras, de tal forma que ahora que lo reseño, y escucho el disco precisamente, trato de captar la atmosfera correcta. En pocas palabras es un disco que jamás en la vida te dará un sin sabor, una apoteosis perfecta, la manifestación de Dios en la música, la música, el amor y dios entendidos como uno solo. Pero bueno, para finalizar creo que el tema que corona el disco a pesar de la belleza del anterior es “Orleans”, un tema muy al corte de temas como “Find the Cost of Freedom” Con CSN&Y. Unos bellos armónicos de guitarra… cierran el tema.

Cabe mencionar que este disco ha sido totalmente una influencia a artistas de la talla de Nick Drake entre otros grandes genios de folk rock. Y no solo eso, si no que una gran pléyade de artistas participaron en su grabación de los que sé por la funda interior del LP figuran: Graham Nash (Vocalizaciones) , David Frieberg, Ethan Crosby (hermano de David), Neil Young (Voz, Guitarra, Bajo y Congas), Mickey Hart, Henry Diltz, Laura Allen, Phil Lesh (en el bajo), Paul Kantner (Vocalizaciones) Jerry García (Guitarra y Pedal Steel) Bill Kreutzmann, Michael Shrieve (Batería de Santana) Jack Casady (Bajo), Jorma Kaukonen (Guitarra) Gary Burden, Ronald Stone, Grace Slick (Vocalizaciones) Stephen Barnacard, Elliot Roberts, Gregg Rolie, Robert Hammer, Joni Mitchell (Posiblemente Guitarra y Vocalizaciones) y por supuesto, David Crosby. Cabe aclarar que la sensibilidad corre a flor de piel en este disco, seguramente porque hacía poco tiempo que Crosby había perdido a su novia en un accidente automovilístico. Cosas de la vida, el dolor nos regaló uno de los discos más bellos jamás hechos.

Si pensaban omitir este disco de su colección, déjenme decirles: Están en un Grandisimo Error.

Descarga Aquí.

1) 'Music Is Love' (Crosby, Nash, Young)

Crosby - guitarra, voz; Nash - guitarra, voces; Young - guitarra, bajo, vibráfono, congas, voces

2) 'Cowboy Movie'

Crosby - voz, guitarra eléctrica; Nash - voces; Jerry Garcia - guitarra eléctrica; Lesh - bajo; Mickey Hart - batería; Bill Kreutzmann - pandereta

3) 'Tamalpais High (At About 3)'

Crosby - voz, guitarra eléctrica; Nash - voces; Jorma Kaukonen - guitarra eléctrica; Garcia - guitarra eléctrica; Lesh - bajo; Kreutzmann - batería

4) 'Laughing'

Crosby - guitarras, voz; Garcia - guitarra pedal steel; Lesh - bajo; Kreutzmann - batería; Nash, Joni Mitchell - voces

5) 'What Are Their Names'

Crosby - voz, guitarra eléctrica; Young - guitarra eléctrica, voces; Garcia - guitarra eléctrica, voces; Lesh - bajo voces; Shrieve - batería; Nash, Mitchell, David Freiberg, Paul Kantner, Grace Slick - voces

6) 'Traction in the Rain'

Crosby - voz, guitarra; Nash - voces; Laura Allan - autoharp, voces

7) 'Song With No Words (Tree With No Leaves)'

Crosby - voz, guitarra eléctrica; Nash - voces; Gregg Rolie – piano; Garcia - guitarra eléctrica; Kaukonen - guitarra eléctrica; Jack Casady – bajo; Shrieve – drums

8) 'Orleans' (tradicional)

Crosby - voz, guitarras

9) 'I'd Swear There Was Somebody Here'

Crosby - voces

Ten Years After - Ten Years After (1967)

Bueno, varios días sin actualizar el blog. Que más decir, ya que por los resultados de la votación de ustedes queridos lectores audio filos se seleccionó el disco que he de postear hoy. 1967 es el año cuna de muchos discos cumbre de la historia del rock, no en vano en aquella época se gestaba el sonido de Jimi Hendrix, de The Doors, de Cream y por supuesto de Ten Years After.

Coronando la formación de esta banda (muy infravalorada por cierto) tenemos a Leo Lyons en el bajo, fantástico bajista que por cierto en la bonus track que incluye el disco que posteo hoy, se avienta una de las líneas más épicas que jamás he oído de Walking Bass en “Woodchoopers Ball” al mismo tiempo que Alvin Lee se presta para debutar como guitarrista, uno de los más grandes, infravalorados y virtuosos guitarristas de la historia. El combo no se queda ahí puesto que la maravillosa versión de Spoonful de  Willie Dixon logra conectar hasta las más profundas del amante de blues. Estamos ciertamente en una etapa en la que la música británica dejaba la inocencia del R&B para entrar al blues más maduro, avanzado, herencia directa de los negros que hacían esporádicas giras a Reino Unido y de los discos que traían de America los marinos a los puertos europeos.

Se deja sentir la influencia totalmente psicodélica este álbum, convirtiéndose genialmente en un disco que combina la rudeza del blues negro con la soltura la imaginación y saciedad de la psicodelia en un hibrido que deja boquiabierta a cualquiera. Y no solo eso, el virtuosismo desarrollado por todos los integrantes de la banda en cuanto a la ejecución de sus instrumentos es algo digno de reseñar.  Alvin Lee se introduce al mundo de la guitarra como uno de los más grandes virtuosos, virtuoso que logra hacer una síntesis muy bien lograda del blues y el jazz, la versátil voz de Lee, los punteos de su guitarra, los acompañamientos acertados con hammond, el genial bajo de Lyons y la batería hacen de esta una de las mejores experiencias auditivas que hayas tenido siempre (Sobre todo si corren hierbas ilegales).

Teniendo en cuenta esto, sabemos que el curso de la historia así mismo no sería el mismo sin la maravillosa actuación de la banda en el festival de Woodstock dos años después. En este disco para mi, al menos como además es mi pieza favorita, queda patente en “Woodchoopers ball” pero sobre todo en temas como “Love until I die” donde Lee hace un perfecto manejo de el lenguaje blues para introducirnos a un mundo donde las sensaciones sonoras de la voz y los demás instrumentos hacen patente la maestría de una banda y un guitarrista enorme que no dejaría de soprendernos los años siguientes.

Sin tanta vuelta acá el aporte:

Descarga Aquí 

1. I Want To Know

2. I Can't Keep From Crying Sometimes

3. Adventures Of A Young Organ

4. Spoonful

5. Losing The Dogs

6. Feel It For Me

7. Love Until I Die

8. Don' t Want You Woman

9. Help Me

Bonus Tracks:

10. Portable People

11. The Sounds

12. Rock Your Mama

13. Spider In My Web

14. Hold Me Tight

15. Woodchopper's Ball

John Mayall - Jazz Blues Fusion (1972)

He de pecar hoy. A los puristas, a los mecanicistas, a los empecinados, a los empeñados en señalar la exactitud y el “positivismo” en actitud terminarán odiándome. Y es que realmente no somos un blog que se dedique a ser exacto y oportunista, es más bien un espacio de expresión personal donde lo que sale del alma y del gusto es puesto a la disposición mis queridos lectores.

En fin, tratándose de discos en directo, soy bastante especial en reseñar, creo, dado que me parecen mejores ediciones, versiones de la  música en estudio, que por lo general carece de la fuerza y la espontaneidad del directo.  John Mayall ya era una estrella consagrada del blues a la par de magnifico Alexis Korner a finales de los años 60. Las estrellas jóvenes y noveles del blues británico habían bebido de la mano de estos grandes, artistas como Eric Clapton, Mick Taylor, entre otros los mismos Rolling Stones.

Abriendo pues el telon, el disco de hoy, “Jazz Blues Fusion” de John Mayall abre un paradigma nuevo en la historia del blues al tratarse de un disco que combina lo mejor de dos generos emanados de la tradición negra. Personalmente creo que este no es un disco que encante a los puristas de ambos generos, tanto jazz como blues, puesto que los planteamientos rítmicos aunque beben directamente del blues (boogies y shuffles como constantes) tenemos que en la parte armonica y melódica los músicos invitados por John logran establecer una simbiosis perfecta que recae en la neutralidad perfecta. Freddie Robinson, un guitarrista que demuestra ser poseedor de un sentido enorme de conocimiento, de lenguaje y de fraseo en el blues y el jazz logra enganchar cada parte de los tradicionales boogies. Los acordes típicamente jazzeros hacen su aparición en “Country Road” a la par que la armónica de Mayall hace que el blues siga sus retazos… Los llamada, respuesta, la tranquilidad del bajo, los fraseos con ese sonido tan típicamente pastoso del jazz emanados de la guitarra de Robinson, con la misma facilidad que introduce ideas pentatónicas, logra enredar entre el cromatismo y las enredaderas propias de la armonía del jazz.

“Good times Boogie” es otro ejemplo de cómo esta simbiosis funciona perfectamente, a la vez que en los pasajes intermedios el Walking bass hace de las suyas mientras la guitarra suavemente sigue los acordes de armonía en tanto que un serpenteante saxo retoma el protagonismo de una forma que hace que pierdas precisamente el sentido de la ortodoxia y te introduzcas en ese hibrido en directo que logra captar lo mejor del feeling de estos maravillosos músicos.

Mayall al mismo tiempo logra con maestría introducir pasajes breves, otras veces largos de armónica en el contexto, que funciona perfectamente de tal forma que en ciertos momentos el público enloquece con las acertadísimas improvisaciones de estos músicos.

Sin duda creo que podría ahondar mucho más en describirles el contenido de este maravilloso disco, que sinceramente es un clásico entre los aficionados al blues como su servidor. Y como creo firmemente, el blues no es una música que pueda describirse tan exactamente como puede sentirse. Así pues, creo que servidos ya con esta mini reseña, paso a servir el plato, del cual no se van a arrepentir de probar e incluso confío que incluyan como favorito de su “Menu”.

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Perigeo - Genealogia (1974)

Lo mejor de lo que más me gusta en un solo disco. Hablamos del adorado Jazz Fusion inaugurado por Miles Davis desde “In A Silent Way” en 1968 y del rock progresivo italiano, considerado de lo mejor que hay en el mundo. Perigeo es una banda que aunque no se puede enmarcar dentro el sonido clásico del RPI (Rock Progresivo Italiano abreviado así desde ahora) si que es un ejemplo de jazz de vanguardia con elementos de psicodelia que apuntala la escena del jazz internacional con bandas como Weather Report,  Mahavishnu Orchestra y Return To Forever.

Muchos puristas considerarían que el mote “Progresivo” es algo exagerado en un intento de enmarcarlo en la escena local. Lo cierto es que armónicamente es verdad la aseveración de Jazz como genero de Perigeo, sin embargo la inclusión de otros elementos en sus orquestaciones hacen relevante que se les considere progresivo, sobre todo por el momento histórico del que surgen en la música italiana y por sus consideraciones artísticas. Tambien son igualmente enmarcables como Pegasus o Dedalus por su inclusión del jazz en sus elementos musicales.

Los efectos psicodélicos en las canciones de este disco “Genealogia” su ultimo álbum de 1974 hace evidente la inclusión de guitarras furiosas de mano de Tony Sidney un virtuoso guitarrista que hace que incluso algunos pasajes parezcan tocados por el mismo John Mclaughlin (Hablando de maestria con el instrumento, dado que los estilos son totalmente distintos). Desde el primer tema nos arrebata una sonrisa. Pero es a mi particular preferencia en “Via Beato Angelico” donde las cosas se hacen más evidentes, la melodía típicamente jazzy hace de las suyas en un ambiente relajado y lleno de optimismo que invita al regocijo espiritual de la mano de estos maravillosos músicos. “In Vino Veritas” continua con el espíritu jazz tan característico de estas aproximaciones. Claudio Fasoli hace una muestra de verdadera serenidad, belleza y estructuración en este pasaje con sus melodiosos patrones de saxo. Sin olvidar que la belleza del “swing” se hace evidente de manos del fondo en teclados, un bajo dondoneante y una batería que redobla una furia de la más noble para ofrecernos al final un fraseo de guitarra inigualable, limpio, hermoso, hecho con una maestria enorme, un solo de guitarra solo comparable a un orgasmo de esos que uno hace con amor a la mujer que ama. Nada más.

“Grandi Spazi” augura un buen tema con una apertura etérea con un piano rhodes haciendo de las suyas generando un sonido cristalino al paso que un contrabajo hace “hot” con sus líneas… para concluir con los fraseos en sax de Claudio Fasoli.

El bajo hace acto de presencia de una forma muy parecida al estilo de Jaco Pastorious y Weather Report en el siguente tema. De hecho este es el tema más “Report” del álbum, lleno de fraseos en piano, un bajo hipnotizante y por supuesto el resto de la instrumentación que no deja de sorprender en maestria. “Old Vienna” es un tema en el que una guitarra con efectos psicodélicos hace acto de presencia confirmando nuestro presumido parentesco de Perigeo con el progresivo italiano.

Los temas restantes solo harán que te quedes anonadado, con una performance bastante bien hecha, digna de una banda que desgraciadamente no tuvo el éxito que debió tener a la par de las grandes del genero Fusion jazz. Aun más sorprendente es el escaso conocimiento que se tiene de ella entre los aficionados a ambos generos ,el RPI y el Jazz fusión. Los invito a que rescaten esta pequeña joya digna de los escuchas más exigentes y dados al buen gusto cuando tratamos con esta clase placas discográficas.

Sin tanta vuelta, acá va.

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1. Genealogia (8:25)

2. Polaris (5:00)

3. Torre del lago (3:06)

4. Via beato angelico (4:55)

5. (In) vino veritas (6:45)

6. Monti pallidi (3:31)

7. Grandi spazi (3:36)

8. Old Vienna (3:22)

9. Sidney's call (4:55)

Museo Rosenbach - Zarathustra (1973)

No logro aún entenderlo. Los primeros compases de “Zarathustra” la única y gran obra de Museo Rosenbach, dan indicios de que es un disco que pocos comprenderán. No, no es por pecar de falso elitismo, ni tampoco por ahondar en la pedantería de esa gente “que sabe”. Es por saber que un disco fue meticulosamente arreglado, en cuanto a cada termino musical, en cada nota, en cada parte del ritmo y luego asegurarse con toda poética y sin preocupación por la rima y las rimbombancias el mensaje de Nietzsche fuese transmitido con tanta exactitud. Esta obra no pretende ser ni mas ni menos una obra comercial, si no en realidad es una obra erudita que enmarca los conceptos principales de la filosofía de Nietzsche en “Así habló Zarathustra” y los conceptos tal es como el “eterno Retorno” del que una canción de mismo disco toma nombre.

Esta es una obra no tan típicamente enmarcada en el sonido de las demás bandas italianas del momento hablamos del 1973,  si hay una banda que se acerque un poco a su magnificencia es  Banco. Toda la música refleja perfectamente la necesidad que tiene el hombre de liberarse de sus cadenas y convertirse en el Superhombre, e ir más alla del bien y del mal.

La banda como muchas de esa época entre las que destacan Edgar Allan Poe (para que vean lo ilustrados que estaban esos italianitos) no solían dejar más que una placa discográfica de estudio y tal fue el caso de esta banda que incluso la portada dio de que  hablar. Llegandose al extremo de relacionarlos con el fascismo por su temática Nietzscheniana y por una supuesta imagen del “Duxe” en la portada, de Benito Mussolini.

La verdad es que a pesar de que me encanta hablar acerca de los detalles históricos de la bandas que reseño, esta vez no me extenderé tanto y les daré mi impresión personal de lo que es el disco. Y les digo que personalmente este disco me voló la cabeza, por mucho diría que este disoc es de mi favorito de rock progresivo Italiano. No es para más, es una obra que intelectualmente es superior a muchas otras obras de progresivo tanto francés, como británico. La otra razón por lo que lo recomendaría a quién jamás le ha oído, es por la precisión academica con la que los creadores de la obra leyeron la obra de Nietzsche y la adaptaron con precisión sin precuparse siquiera por los asuntos estructurales de rima y ritmo, la poesía de Nietzsche tiene su propio ritmo. Sin duda es una obra que merece la pena ser oída y no escatimar esfuerzos por tenerla si es preciso en original.

Es una obra sin duda que merece la pena disfrutarse en soledad meditabunda y con mucho coco para no desperdiciar los detalles que enmarca. Esta completamente en Italiano, lo que añade una belleza especial al disco puesto que es un idioma demasiado musical.

Sin más que añadir, acá el paquete:

http://www.mediafire.com/?jzl0dk20b2d8x1j

"Zarathustra":

"L'ultimo uomo" (3:55)

"Il Re di ieri" (4:40)

"Al di là del bene e del male" (2:39)

"Superuomo" (6:25)

"Il tempio delle clessidre" (2:52)

"Degli uomini" (4:04)

"Della natura" (8:28)

"Dell'eterno ritorno" (6:18)

Miles Davis - Bitches Brew (1969)

Sean todos ustedes bienvenidos a este su nuevo blog, “Stoner rock and Oscure Progressive” donde si no está de más mencionarlo, también abordaremos generos como el jazz, el rock progresivo, beat y por supuesto blues.

Sin más preámbulo, he decidido comenzar con esta joya de la música mundial. Si “Kind of Blue” fue el parte aguas y la máquina de dirección del vanguardismo de Miles, es evidente que su maestría se volvería a repetir años después con este despliegue inspiracional, que más allá de las etiquetas tontas de los puristas, contiene oro en su peso. “Bitches Brew” abrió el panorama experimental en la música Jazz como mucho antes también habían roto el paradigma gente como Ornette Coleman o John Coltrane, a quienes dedicaremos sendas entradas en este blog. La improvisación es la columna vertebral, el eje de comunicación de Jazz y en este disco Miles y sus compañeros entre los que figuraban Keith Jarret, Chick Corea y el magnifico John Mclaughlin a quién Miles dedica una canción en la placa. Al propósito de Mclaughlin, sabemos que de antemano Davis quería lograr un sonido suelto, experimental y lleno de mucha fluidez y experimentación. Teniendo en cuenta tal supuesto, Davis pidió a John Tocar “como si no supiese tocar” y he aquí el resultado, En cortes como el mismo “John Mclaughlin”. Los ritmos hipnóticos son la formula que Miles explota en este disco y que con tanto éxito había dejado salir desde “In a Silent Way” un año antes, así pues, asistimos al advenimiento de un genero que muchos amamos: El Jazz Fusion. Este tipo de jazz fusiona como su nombre lo indica, elementos de rock  y otros tipos de música para generar atmosferas heterodoxas fuera de los canones puristas del jazz acústico de años anteriores.

Retomando el curso del disco, “Pharaoh’s Dance” el disco que abre la cara A del vinilo nos introduce al mantra jazzístico llevado de la mano por un hipnotizante ritmo de bajo, piano Rhodes y las percusiones del maravilloso Airto Moreira. Los primeros dos cortes del disco el anterior y el homónimo al disco “Bitches Brew” son temas que duran más de 25 minutos cada uno, llevándose cada uno dos caras de los dos vinilos que conforman el combo. Maravilloso, Miles demuestra que sabe ser el director de orquesta jazz más grande que jamás haya existido. La otra placa demuestra igualmente una maestria de virtuosismo, señalando que en algunos temas dos bateristas abren hipnóticos ritmos que inaguran las improvisaciones de Davis, intrincados ritmos, paradas, entradas, salidas, gemidos orgásmicos salidos de las entrañas de Davis y amplificados por su maravilloso talento con la trompeta, a todo lo cual solo he de añadir que este ha sido el disco que inaguro la etapa moderna del jazz, de ese jazz del que muchos bebemos de mano de dicipulos suyos como John Mclaughlin, Wayne Shorter (otro maravilloso músico que participo) Dave Holland, Keith Jarret, Airto Moreira el percusionista brasileño, Josef Zawinul, Billy Cobham, Khalil BalaKrishna, Larry Young… etc.

Por tanto, señores, con este disco parte aguas e inagural del jazz moderno, abrimos este su humilde blog, con todo lo necesario para darnos credenciales para avanzar y seguir adelante. Gracias a mis amigos Melomanos de siempre por el soporte y los aportes que darán a este su querido blog.  Los dejo con el link de descarga y a disfrutar!

Las grabaciones del disco comenzaron el 18 de agosto de 1969 en el Electric Ladyland (El estudio propiedad de Jimi Hendrix)

http://www.mediafire.com/?tj5p345gyfg3lyx

Tracklist

Disco 1

Cara A) "Pharoah's Dance" (Zawinul) 20:07

Cara B) "Bitches Brew" (Davis) 27:00

Disco 2

Cara C) "Spanish Key" (Davis) 17:30

"John McLaughlin" (Davis) 4:23

Cara D) "Miles runs the voodoo down" (Davis) 14:03

"Sanctuary" (Shorter) 10:54